Du 1er au 5 août dernier, j’ai participé à Contes courants / Story Streams, la 20e conférence annuelle de Storytellers of Canada / Conteurs du Canada (SC/ CC) qui se tenait au Collège Brébeuf, à Montréal. Comme c’était ma première participation à une activité de cette organisation, j’étais assez « outsider » pour avoir un regard externe. J’en ai ramené plusieurs idées qui me semblent intéressantes pour le milieu du conte francophone (au Québec ou ailleurs).
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Étiquette : formation
Brèches pour une continuité (stages avec Bernadète Bidaude)
Le week-end dernier, j’ai vécu mon second stage avec la conteuse française Bernadète Bidaude (« Construire un récit à partir de son propre bagage » les 30 septembre, 1er et 2 octobre 2011). Comme il s’agissait à peu de choses près du même atelier que la première fois (« Chantier d’histoires » du 1er au 3 mai 2009), je présenterai conjointement ce que j’ai appris à ces deux occasions.
À la décharge des organisateurs qui avait prévu ce deuxième atelier comme une suite du premier (qui n’était cependant pas pré-requis), j’étais le seul participant à m’être réinscrit. Ajoutons à cela le fait que cette fois-ci plusieurs participants n’étaient pas des conteurs. Difficile de véritablement pousser plus loin…
Cela écrit, c’est une expérience assez curieuse mais pas déplaisante que cette répétition. À faire essentiellement les mêmes exercices avec des participants différents, à aller collecter des idées d’histoires aux mêmes endroits sous une pluvieuse grisaille automnale (2011) plutôt que sous un soleil printanier (2009), on est forcément amener à comparer. En même temps, il y a là-dedans à trouver comment conserver un regard neuf, un peu comme de raconter la même histoire à des publics différents, ou encore aux mêmes personnes, mais dans des occasions différentes. J’ai certainement bénéficié d’un rafraîchissement quant à la conception du conte de notre formatrice. Cela me permettra, je l’espère, de vous en faire part avec plus de justesse. Continuer la lecture de « Brèches pour une continuité (stages avec Bernadète Bidaude) »
L’atelier de monsieur Bruno (collaboration spéciale)
Lors de son passage au Québec en décembre 2010, Bruno de La Salle a offert un atelier de formation le samedi 18 décembre dans la Maison Chevalier, à Québec. L’atelier s’intitulait « Du texte à l’oral ». Le texte de présentation se lisait comme ceci :
« Le propos du stage est d’envisager l’oralité comme un art de l’investigation : mettre en jeu le texte écrit mis en parole, le corps, et la relation aux spectateurs pour mener une exploration sur toutes sortes de matériaux. Nous aborderons le souffle, le discours, le geste et le mouvement nécessaires pour faire du texte de départ, un récit totalement dans l’oralité, pour aboutir à une narration-exploration. »
J’aurais bien aimé y assister, mais j’étais malheureusement coincé par des obligations familiales. Heureusement pour moi – et maintenant pour vous, chers lecteurs – un ange y était qui nous a rapporté des notes de ce qu’il a vu et entendu… Tenir conte est donc heureux d’accueillir un premier collaborateur externe, soit M. Gabriel Grenier, membre du Cercle des conteurs des Cantons-de-l’Est. Merci à Gabriel pour son travail de reporter. Le « je » dans le texte qui suit est donc le sien…
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Flying Coach 8: Rendre personnel
À quelques jours d’un spectacle solo qui conclura une seconde vague de travail sur Chevaucher les seuils – Contes d’au-delàs et de Là-haut, un nouveau bilan s’impose. Il m’est difficile de parler de manière générique des séances de coaching de cet automne tant l’« entraînement » s’est personnalisé (Dictionnaire Robert : « rendre personnel »). Je vais tout de même essayer d’en dégager du matériel d’intérêt général.
J’entendais récemment Mme G. mentionner à quelqu’un : « Moi, je connais bien Jean-Sébastien et il ne voudra pas ceci… Il préférera cela. ». C’est vrai. Elle me connaît bien mieux, me devine, sait quand elle peut me pousser plus loin (ou pas), même si je ronchonne au début.
Réalisant dès septembre que nous avions peu de temps, Mme G. et moi avons convenu de travailler certains aspects précis de ma manière de conter. Outre les problèmes propres au spectacle (transitions et difficultés avec certains contes, dont j’ai parlé ici), nous voulions :
- éliminer des tics qui parasitent le contage;
- maintenir mon niveau d’énergie de base de manière plus constante tout au long du spectacle;
- développer ma présence, mon contact avec le public
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Le maître-artisan
Il est de bon ton dans notre milieu de parler du contage comme d’un artisanat (voir notamment le chapitre « Patience de l’arrosage » de Luidgi Rignanese dans L’art du conte en dix leçons), mais qu’est-ce que ça veut dire au juste? Au-delà du temps à prendre, du savoir-faire à développer, je crois que les processus de travail et les rapports à la matière se ressemblent.
En préparant mon intervention du 13 novembre dernier lors du colloque annuel du Regroupement du conte au Québec (RCQ), à propos de la formation des conteurs, j’ai repensé à un conte chinois. C’est un texte qu’avait présenté en 2007 la conteuse et intellectuelle brésilienne Regina Machado lors d’une rencontre autour des thèmes « mission/transmission » organisé par les Productions Littorale. Le texte était en anglais et j’ai tenté, bien modestement, de le traduire. Je le reproduis ici, parce qu’il m’apparaît nommer plusieurs éléments que des conteurs-artisans devraient développer lorsqu’ils ont le souci d’améliorer leur art:
Autrefois, nous dit Zhuang Zhou, il était un maître artisan qui créait de si beaux objets de bois que le roi lui-même demanda à connaître le secret de son art.
« Votre majesté, dit le menuisier, il n’y a pas de secret… mais il y a bien quelque chose. Voici comment je procède :
Lorsque je m’apprête à faire une table, je rassemble d’abord mes énergies et je calme mon esprit afin de parvenir à une paix absolue.
Je deviens indifférent à toute récompense que je puisse gagner ou à quelque gloire à conquérir. Quand je suis libre de l’influence de toutes ces considérations extérieures, je peux écouter la voix intérieure qui me dit clairement ce que je dois faire.
Quand mon habileté est ainsi concentrée, je prends ma hache. Je m’assure qu’elle soit parfaitement affilée, qu’elle tienne confortablement dans ma main et qu’elle devienne le prolongement de mon bras. Alors, j’entre dans la forêt.
Je cherche le bon arbre : l’arbre qui attend de devenir ma table. Et lorsque je le trouve, je demande : « Qu’ai-je à t’offrir et qu’as-tu à m’offrir? »
Alors, j’abats l’arbre et je me mets au travail.
Je me souviens comment mes maîtres m’ont enseigné à mettre mon talent et ma pensée en relation avec les qualités naturelles du bois. »
Le roi dit alors : « Lorsque la table est terminée, elle a sur moi un effet magique. Je ne peux la traiter comme n’importe quelle autre table. Quelle est la nature de cette magie? »
« Votre majesté, répondit le menuisier, ce que vous appelez ‘magie’ provient de ce que je viens de vous expliquer. »
Les éléments dont il est question dans ce conte m’apparaissent tous des fondamentaux: l’importance de développer une éthique du travail et du conte, d’affûter ses outils (corps, voix, prestance) et de découvrir comment ils peuvent servir le conte, se souvenir des enseignements des maîtres, travailler à mettre en valeur les « qualités naturelles » de l’histoire, etc. Mais c’est encore et toujours la question du rapport au répertoire qui m’avait interpellé et m’interpelle encore.
Comment « entrer en forêt » dans le foisonnement des contes (déjà le stage avec Marc Aubaret m’a donné des pistes…) et savoir choisir le « bon arbre » (le bon conte) celui « qui attend de devenir [notre] table » (de se laisser approprier par le conteur)? Il s’agit, en quelque sorte, de savoir identifier le diamant brut qu’il faudra ensuite travailler et polir. Faire des choix; décider de ne pas conter certaines histoires pour en privilégier d’autres…
Je suis reconnaissant à Regina Machado – et à Zhuang Zhou, je suppose – pour cette idée d’entrer en dialogue avec un conte que l’on a trouvé et que l’on a envie de conter: « Qu’ai-je à t’offrir et qu’as-tu à m’offrir? » Comment, avec ma couleur et ma personnalité de conteur, vais-je refléter sur cette histoire? Que puis-je apporter de classique ou d’original, de réinterprétation, d’hybride et de contemporain à la manière de la raconter? Comment est-ce que le fait d’introduire ce conte dans mon répertoire va colorer mes autres contes et me transformer, moi, comme conteur?
Dès lors, le rapport artistique entretenu avec la matière contée devient plus viscéral qu’intellectuel. Assez proche de celui du sculpteur, de la tisserande, de l’ébéniste ou de l’orfèvre, finalement.
Se laisser travailler par le conte (stage avec Marc Aubaret)
J’ai laissé plus d’une semaine passer pour tenter de donner sens à la vingtaine de pages de notes prises pendant la formation sur l’Histoire de la littérature orale offerte par Marc Aubaret, directeur du Centre méditerranéen de littérature orale, les 23 et 24 octobre derniers. Alors que mes notes ne rendraient pas justice à la somme d’information reçue, je m’essaie à tisser un fil conducteur auquel accrocher mes apprentissages.
Pour moi, cette formation aurait été celle où j’aurai acquis en concentré toutes sortes de pistes pour entrer dans de nouveaux contes (et approfondir ceux que je conte déjà). En effet pour Aubaret, « le conteur n’explique pas, mais doit comprendre… »
- Pistes « fonctionnelles » (par genres) : Parce que démêler ce qui tient du mythe (œuvres permettant de gérer la transcendance), de l’épopée (gestion des valeurs et du politique), de la légende (gestion du temps et de l’espace) et des contes (fonction initiatique pour les contes merveilleux et variable selon les genres) offre déjà des orientations importantes pour le contage. J’ai ainsi appris que certains de mes récits tenaient probablement davantage du mythe que du conte…
- Pistes historiques et anthropologiques : Cela permet d’être éveillé à ce que l’on a voulu faire dire aux contes selon les époques (ex : la montée des nationalismes au XIXe siècle qui récupèrent les contes comme « littératures nationales »). D’ailleurs, en bon ethnologue, Aubaret nous rappelait régulièrement l’importance de connaître le contexte culturel dans lequel le conte est raconté. Cela permet notamment de ne pas « dire le passé » ou de tomber dans le folklorisme.
- Pistes typologiques : …Liées à la classification internationale Aarne-Thompson dont j’ai enfin mieux compris le fonctionnement et surtout l’utilité pour les conteurs : Faire gagner du temps lors de la recherche de multiples versions d’une même histoire. Ainsi, j’ai découvert que plusieurs de mes Contes d’au-delàs et de Là-haut sont des 470 (Amis dans la vie et la mort), 470B (Le pays où l’on ne meurt pas) et 471 (Le voyage dans l’autre monde). L’idée n’est pas de connaître ces numéros pas cœur ni de s’enfarger dans les chiffres, mais c’est vrai que devant ces catalogues on comprend mieux l’importance de toujours avoir consulté plusieurs variantes de nos contes avant de composer la sienne (dixit ma fée-marraine).
- Pistes pour une lecture symbolique (notamment des contes merveilleux): Pour entrer dans un conte, Aubaret nous suggère de partir de versions collectées plutôt que de versions d’auteur (la « matière populaire brute »), nous recommande d’en faire une lecture attentive mot à mot, puis il nous invite à faire la cartographie des lieux, à en évaluer la temporalité (le passage du temps dans le conte, de quelques heures à quelques années), puis de bâtir des listes de personnages, d’animaux, de chiffres, de couleurs, d’objets, d’absents (Qui n’est pas là dans l’histoire? Un père? Une mère? C’est souvent très révélateur), etc. L’idée étant que les symboles d’un conte s’influencent les uns les autres et ne peuvent être pris individuellement.
C’est que pour Aubaret, les symboles des contes sont autant de
« résonnateurs » qui « mettent en travail » si l’on est prêt et parfois à notre insu. Ainsi, il a évoqué les motifs, ces super-symboles qui rendent mal à l’aise et qui frappent l’imagination (ex : la charité romaine, une femme qui, ayant accouchée, va nourrir au sein son père en prison pour lui éviter la mort).
Il ne s’agit pas ici de chercher à donner un sens définitif au conte, mais plutôt d’« ouvrir le plus grand nombre de questions possibles », de prendre conscience de la multiplicité des sens qui se cachent dans l’œuvre et qui peuvent toucher le public de différentes façons. « Ne pas se laisser berner par l’anecdote, mais chercher ce qui est sous-jacent. » Il nous rappelle avec justesse que ce travail est aussi utile pour la création de nouveaux contes que pour l’approfondissement de contes traditionnels. Pour Catherine Zarcate, avec qui Aubaret collabore, conter c’est « faire écrin aux symboles ».
J’avais déjà abordé une partie de ces notions (sans nécessairement les avoir approfondies), mais j’ai pu revérifier pendant cette fin de semaine l’importance de se les faire dire et redire par différentes personnes qui emploieront des mots différents pour parler des mêmes concepts fondamentaux, chacune avec sa vision propre de ces derniers.
Par exemple, tout le discours de Marc Aubaret est, me semble-t-il, coloré par sa conviction de l’importance du rapport personnel des individus (conteurs ou auditeurs) face aux contes. Ces derniers seraient pour chacun des « miroirs de sa propre évolution ». Par exemple, la maîtrise d’un nouveau conte se déroulerait en trois étapes : D’abord un temps d’acquisition, puis une période d’intégration et enfin, au moment propice, ce qu’il appelle le « jaillissement » où le conteur « témoigne de ce qui l’a traversé ».
Si les pistes de lectures discutées plus haut seront utiles lors de l’acquisition, c’est le « temps passé avec l’histoire », le temps de rêver son conte, de travailler sur les images , qui en permet l’intégration ou d’« en acquérir l’épaisseur ». En effet, pour Aubaret le conte est « art des images » plus que des mots. C’est ensuite que viennent les mots pour décrire les images dont s’est nourri le conteur : Le moins de mots possible, des mots qui évoquent directement les images, les mots du « sensitif » comme dirait Michel Hindenoch (avec qui Aubaret collabore aussi).
Outre ces outils d’analyse, je repars sur mon chemin de conte avec plusieurs idées qui alimenteront ma pratique : Celle de tenir un « carnet de trames » des contes que je lis, juste pour développer le sens de la structure et comparer des versions, celle de passer du temps dans un café, juste à regarder les gens et à noter mes impressions. L’idée aussi d’avoir toujours un conte « en chantier », juste pour s’en nourrir et le laisser « nous travailler », quitte à ne jamais le conter.
Cette formation m’a aussi rappelé qu’avant de poursuivre mes études en communications à l’Université de Sherbrooke et à Concordia, je voulais devenir… ethnologue.
Comment se forme-t-on chez vous?
Comme le babillard de nouvelles du Regroupement du conte au Québec (RCQ) le mentionne, le prochain colloque se tiendra à Sherbrooke du 12 au 14 novembre prochain et portera sur la formation des conteurs. Le RCQ m’a demandé de lancer les discussions du samedi par un portrait actuel de la formation en conte au Québec. Vaste programme!
Depuis, la rédaction de mon chapitre dans L’art du conte de dix leçons (Planète Rebelle, 2007), je dois avouer que j’ai un peu perdu de vue ce qui se faisait ailleurs que dans ma cour. Si je connais bien la situation en Estrie et que mes contacts me permettent d’avoir une petite idée (incomplète) de ce qui se fait à Montréal, c’est moins le cas dans les autres régions du Québec. J’ai donc sollicité différents conteurs et organisateurs pour savoir ce qui se déroulait dans leur région. Voici les questions que je leur ai posées par courriel:
- À votre connaissance, depuis 2005, quelles formations relatives au conte ou touchant les conteurs ont été organisées dans votre région? Si aucune formation n’a été organisée dans les cinq dernières années, pourquoi est-ce ainsi? (manque d’intérët, de participants, de fonds, etc.)
- Si des formations ont effectivement été organisées, veuillez préciser, dans la mesure du possible… Sur quelles thématiques et de quels niveaux? Initiation? Approfondissement d’un aspect ou l’autre de la pratique? Méta-information (subenvtions, marketing, etc.)?
- Quelles formules étaient privilégiées? (1 journée? 2 jours? 3 jours? Plus? Moins? Week-end? Semaine? Été? Mentorat?)
- Qui étaient le ou les formateurs? D’où provenaient-ils? S’agissait-il de conteurs ou d’autres professionnels? Dans quels domaines?
- Combien de participants?
- Dans quelles conditions furent-elles offertes (locaux, coûts, soutien d’organismes publics ou autres)?
- Quels sont le ou les organismes qui organisent des formations relatives au conte ou touchant les conteurs dans votre région?
- Prévoyez-vous que de nouvelles formations seront organisées dans les prochaines cinq années?
- a. Sinon, pourquoi?
- b. Si oui…
- a) Autour de quelles thématiques? De quels niveaux?
- b) Envisagez-vous des difficultés pour cette organisation? (fonds? recrutement de formateurs, formatrices qualifiés? participation?)
- Quel serait votre formation idéale? (thématique, formateur-formatrice, conditions idéales (durée, lieu, niveau, nombre de participation, etc.))
- Tout autre commentaire ou réflexion sur cette question que vous souhaitiez partager (surtout si vous ne croyez pas être des nôtres en novembre)
Selon vous, ai-je oublié des choses? Me manque-t-il des renseignements pour bâtir ce portrait? Vous sentiriez-vous à l’aise de répondre à ces questions pour votre région? Tout commentaire qui fera avancer ma préparation à cette présentation sera bienvenue.
Festivalier comblé
N’ayant ni à conter, ni même à être bénévole cette année, j’ai complètement profité du Festival Les jours sont contés en Estrie pour être le meilleur spectateur possible. Je me suis généralement (ahem!) couché tôt, suis allé voir plusieurs spectacles mais pas tous (ah, les choix difficiles) et j’ai appris en observant. Il faut dire que le fait d’être moi-même en processus de création aiguise le regard…
De Michèle Nguyen, je retiendrai la grâce, l’intensité qui fait vibrer toute l’assistance, les silences justes, porteurs, une écriture magnifique, brillante. Je la voyais pour la troisième fois et il me semble qu’elle a encore « grandi » dans l’efficacité de sa présence, la force de son contact avec le public. Je retiendrai aussi la question d’un ami néophyte au conte: « Est-ce que ce n’était pas du théâtre? » Avec une marionnette (qu’elle manipule merveilleusement), quelques accessoires, une trame sonore, je pense que la question mérite d’être posée. Conte ou théâtre, j’ai bien hâte de la revoir et de la réentendre.
De Jean-Claude Botton, je conserverai sa finesse à raconter tant aux adultes qu’aux enfants. Son habileté à « mettre le public dans sa poche » par de très courts récits pour accrocher, établir le contact. Les ritournelles, les jeux de mots et répétitions. Et puis la force des images qu’il se créé et qu’il nous donne à voir. À un moment, il avait vraiment une lune dans l’oeil.
D’une conversation privilégiée avec Jihad Darwiche, j’ai bien compris que l’on peut toujours retravailler une histoire, la polir davantage et en retirer les entraves afin qu’elle « passe » mieux. Retravailler un conte toute sa vie et même quand on est convaincu que la version collectée est sacrée. « Nous sommes des passeurs, il faut que nos histoires passent… » et « Si tu nourris souvent tes histoires, elles continueront à te nourrir ». Et comme j’ai aimé réentendre les différentes versions des « Babouches d’Abou Kacem ». Vive les contes gigognes des Mille et une nuits avec leurs emboîtements qui rendent intelligents!
De Naomi Steinberg, je retiendrai la voix grave, hypnotisante, enveloppante, qui m’a bercé par des histoires pleine de brume vancouveroise, dont une version coréenne magnifique de « L’oiseau de toutes les couleurs » et une « Fille curieuse » en visite chez une Baba Yaga nordique.
De Jean-Claude Bray, je constate l’importance de se connaître et de conter ce qui nous colle à la peau. Comment ce petit homme à la voix nasillarde et à l’air (mais seulement l’air) absent parvient-il à choisir des histoires qui lui vont aussi bien et à dégager un tel charisme? Il y a là un mystère et une ruse qui me mystifient.
D’Agnès Chavanon, je garde la construction de son spectacle sur les loups où elle mêle histoires traditionnelles, anecdotes imaginaires et véridiques, de même que récits contemporains qui rejoignent tous la même thématique. J’ai bien aimé ce mélange de narrations autour d’un même thème. C’est ce que j’ai essayé de faire dans mon spectacle sur les au-delàs, mais j’aurais aimé aller encore plus loin.
De Serge Valentin, je me souviendrai longtemps d’une conversation à bâtons rompus où nous avons chacun défendu nos positions et découverts des points d’accord. Je retiendrai son besoin d’être « farouchement libre » qui l’amène à se former en autodidacte et à se méfier des écoles artistiques. Après cet échange, aux petites heures du matin, j’ai écris pendant une demie-heure. Un texte sur la formation des conteurs a commencé à prendre forme.
Un beau festival, une édition que je vais chérir pour longtemps.
Faire de sa parole une peau (Hindenoch)
[NDLR: Les vacances d’été me permettent finalement de compléter ce texte amorcé… en novembre 2009.]
Lors de la Rencontre internationale sur le conte d’octobre 2009, la conteuse Sophie Joignant a témoigné du fait qu’elle se servait beaucoup en atelier du poème « Conter » qui ouvre le livre Conter, un art? de Michel Hindenoch [un must, en passant]. Pour elle, « il y a tout là-dedans ».
Hindenoch, présent sur place, a donc accepté d’en faire la lecture, en expliquant qu’il l’avait préparé pour un colloque ayant eu lieu à Chevilly-Larue en 1994 et dont la thématique était « Qu’est-ce que conter? ».
Conter
C’est écouter à haute voix
Un rêve ancien, plus grand que soi.C’est un acte magique, une poésie :
C’est faire de sa parole une peau,
Un oeil, une monture.
Faire d’un rêve un souvenir,
D’un souvenir une jeune aventure,
D’un mensonge un aveu, une vérité vraie.C’est ouvrir son jardin et en faire un navire.
Voyager. Rien de plus.
Jusqu’à offrir à l’autre un souvenir nouveau,
Risquer de faire de lui un témoin, lui aussi :Un conteur à venir.
Cela m’a donné l’occasion de retourner à ce texte pour voir ce que j’y trouve pour alimenter ma propre réflexion. Je ne sais pas si « il y a tout », mais en tous les cas j’y trouve beaucoup de matériel…
De la façon dont je le lis, le texte peut se diviser en cinq parties qui m’amènent à des leçons fondamentales:
Section 1: Le rêve ancien
C’est écouter à haute voix
Un rêve ancien, plus grand que soi.C’est un acte magique, une poésie :
Ici, Hindenoch me rappelle le côté sacré du conte. Je suis depuis un certain temps partisan de l’idée que les contes seraient issus des rêves que les premiers hommes se seraient racontés sans nécessairement les comprendre, tellement les images y sont fortes et touchent à l’inconscient. Il y a donc un respect que l’on doit avoir pour ces histoires, mais qui nous manque parfois…
Section 2: Conter par les sens
C’est un acte magique, une poésie :
C’est faire de sa parole une peau,
Un oeil, une monture.
Là, on entre dans certaines maximes de la « théorie hindenochienne » si j’ose dire… Dans ses formations, Michel nous enjoint à choisir les « mots de l’affect » (sensitifs) plutôt que de l’« intellect » pour raconter nos histoires. Pour lui, le narrateur doit être « l’espion de l’histoire » et la décrire de l’extérieur. Déjà l’allusion chamanique à la parole comme « monture » est prélude à la quatrième section, véritable invitation au voyage.
[D’un point de vue plus personnel, ayant été incommodé par de l’eczéma/ dermatite atopique pour l’essentiel de ma jeunesse, alors que mon anxiété et les émotions fortes que je vis se manifestent par des démangeaisons, « faire de sa parole une peau » (ou de sa « peau une parole », dans mon cas) me parle directement.]
Section 3: Il faut y croire
Faire d’un rêve un souvenir,
D’un souvenir une jeune aventure,
D’un mensonge un aveu, une vérité vraie.
Ici, Hindenoch me rappelle le processus par lequel le conteur se « convainc » de son histoire afin de la rendre crédible au public. On escamote souvent cette étape de rêverie éveillée. C’est une autre maxime de la « théorie hindenochienne »: Dès que l’on a un moment de libre, prendre le temps de rêver ses contes, de les imaginer en détail. Qui sont les acteurs à qui l’on confierait le rôle du héros? De la princesse? Dans quels lieux connus se déroule l’action? Quelles sont les odeurs de chaque scène? Etc.
Section 4: L’invitation au voyage
C’est ouvrir son jardin et en faire un navire.
Voyager. Rien de plus.
C’est la plus belle, selon moi. De l’intérieur du conteur vers les autres… et l’infini des possibles. Je pense que Hindenoch y parle de l’implication personnelle du conteur dans sa narration. Mais aussi de l’objectif, sans prétention et pourtant fondamental des récits: « Voyager. Rien de plus. » C’est tout simple. C’est immense.
Du coup, ça me rappelle une phrase lue sur un poster inspirant où l’on voyait un navire sur les flots sous un coucher de soleil éblouissant: « A ship in a harbor is safe. But then, this is not why ships are built. » (« Un navire au port est en sécurité, mais ce n’est pas pour cela que l’on construit des navires. »). De l’audace dans le choix des histoires… donc de l’implication personnelle.
Section 5: Donner
Jusqu’à offrir à l’autre un souvenir nouveau,
Risquer de faire de lui un témoin, lui aussi :
Un conteur à venir.
Enfin, je comprends que Hindenoch nous parle ici du don que doivent faire les conteurs: Nous avons reçu les histoires en cadeau (oui, même celles que nous avons écrites). Elles ne nous appartiennent pas et par conséquent nous devons les partager. Nous n’en sommes que les médiateurs, des interprètes, des « espions » d’un « rêve ancien » (et l’on revient au chamanisme).
Mais finalement, Hindenoch nous présente un objectif profond: réussir à toucher suffisamment le public pour l’émouvoir. Il manque tellement de
« témoins », de personnes rendues meilleures, plus heureuses, plus humaines, etc. par le contact du beau et du bon.
Puisse notre parole les toucher.
Répondre au courrier 4: les forces centrifuges
- En réaction à mon texte « Donner son opinion sur le milieu… », Nicolas Rochette lançait plein de riches idées le 22 février dernier: Si je résume, il refusait de voir le conte comme un art « individualisant » et déplorait le manque de solidarité du milieu (ce qui faisait écho à un commentaire de FX Liagre du 15 décembre précédent). Je m’étais promis de lui revenir…
J’ai déjà moi aussi déploré le fait que l’on se retrouve souvent seul devant son miroir à pratiquer ses histoires.
Il m’est cependant difficile de parler de la solidarité du milieu ou non, notamment parce que je connais relativement peu la situation à Montréal et à Québec (des lieux où le « milieu » compte assez de personnes pour qu’il y ait solidarité ou non). Je ne peux que déplorer la situation que je constate de l’externe : il y a des « gangs »… et pas toujours beaucoup d’échanges entre ces clans. Ce réflexe clanique est assez naturel quand on y pense. Qui s’assemble se ressemble et l’on fraie plus volontiers vers ce qui nous est connu et familier. C’est vrai que l’on y perd tout ce que les uns et les autres pourraient s’apporter.
En Estrie, j’ai déjà écrit que le Cercle des conteurs des Cantons de l’est formait un groupe serré, dont les rapports débordent souvent ceux reliés strictement au conte (on se visite, nos familles se côtoient, etc). Il faut probablement nuancer ce portrait: Y’a ceux qui se sentent exclus, ceux qui choisissent de s’exclure eux-mêmes, ceux qui viennent nous voir et repartent parce que « ça ne colle pas ». Même dans le « noyau », le fait est que l’implication des uns et des autres reste assez variable, notamment selon les responsabilités et occupations de tous et chacun.
Vrai que souvent l’on compte sur les autres conteurs pour être spectateurs des spectacles de conte… (Et je reste convaincu qu’il est sain et nécessaire d’en voir beaucoup, de voir évoluer nos collègues, de découvrir de nouveaux talents. Ça fait partie intégrante de l’auto-formation!). Sauf que les activités de conte se multiplie et il devient difficile d’être présent à tout. Je sais pour ma part que j’ai manqué cette année seulement au moins deux spectacles que je tenais absolument à voir, et ce pour des raisons bêtes de synchronisation avec d’autres obligations personnelles.
Constatons enfin que différentes personnes font du conte pour différentes raisons, avec des niveaux de priorité changeants, ce qui explique parfois ce degré d’implication variable, la participation ou non à des activités de pratique ou de formation. J’ai plus d’une fois été déçu parce qu’un ou une collègue préférait une autre activité de loisir ou « mettait le conte de côté pour un certain temps ». Ainsi va la vie, difficile de reprocher à un coeur d’aimer… puis d’aimer moins et de voler vers d’autres cieux.
En Estrie, notamment, plusieurs conteurs sont également parents de jeunes familles… La conciliation travail-loisir-famille, ça se vit aussi dans le milieu du conte. Cela n’excuse pas tout, mais ça permet de relativiser et d’être philosophe.
Pour moi, une partie de la solution au problème du manque de participation passe par la formation de jeunes conteurs (de niveau collégial et universitaire, disons) et celles de conteurs aînés (pré-retraités et retraités). D’abord, il y a là une diversité d’expériences et une richesse intergénérationnelle à exploiter. Par ailleurs, ce sont des gens avec davantage de temps à consacrer à une passion nouvelle… La contrepartie: ces gens ont souvent beaucoup de passions nouvelles!